Il teatro dell'oltrecontemporaneità. Una riflessione estetica sulla scena del nuovo millennio

L’introduzione della tesi si sofferma sulla necessità di una riflessione estetica capace di svolgere una funzione proattiva in un contesto storico-sociale caratterizzato da crisi diffuse e da preoccupanti riduzioni (e involuzioni) degli spazi di confronto democratico. Infatti, l'evaporazione dell'arte nelle dinamiche consumistiche, l'influenza dei media e le complessità della contemporaneità pongono grandi sfide alla creazione di una nuova forma di arte teatrale e, se si osserva a titolo di esempio come la liveness, convenzionalmente ritenuta essenziale, sia stata messa in discussione dalla proliferazione delle esperienze in streaming du rante la pandemia, è il consolidamento della società dello spettacolo e della performance a richiedere una rivalutazione complessiva e strutturale del suo ruolo, della sua natura e del suo significato. La prospettiva di questa tesi sottolinea quindi che il ruolo del teatro è destrutturare le contraddizioni e i conflitti della e nella realtà, che la sua natura è di rappresentare una sfida dall'interno dell'industria culturale al conformismo, che il suo significato consiste nell’orientarsi tra l’essere bene di "consumo" e l’enucleare una funzione "critica": a partire da queste considerazioni, alla cultura teatrale contemporanea viene riconosciuta la fondamentale capacità di influenzare la percezione della realtà, di contribuire alla creazione di nuovi mondi possibili e di aprire nuovi margini per la riflessione critica. Riconoscere nell'arte un veicolo di conoscenza e di “dissonanza” che opera all'interno della società, accettando il rischio del compromesso senza cadere nell'omologazione commerciale, risulta fondamentale per comprendere il posizionamento teorico di questa ricerca: se la domanda è “come il teatro può ancora articolarsi in maniera autenticamente artistica?”, la risposta viene individuata nella sua capacità di emancipazione consapevole e di promozione critica dell'inclusione nel rispetto delle differenze. Infatti, in un'epoca in cui l'arte (in generale) sembra sempre più influenzata dal e assimilata al capitalismo, questa tesi chiede al teatro di trovare un equilibrio tra autonomia e compromesso, equilibrio che risulta possibile grazie alla capacità della riflessione estetica di esplorare il non-identico e la negatività, che sono spesso annientate dalla costruzione standardizzata dell'immaginario mediatico globale. La riflessione estetica deve infatti svilupparsi in una dialettica aperta di "estetizzazione critica" interna alla cultura di massa: questo processo può liberare dalla costrizione identitaria, superare una visione esclusivamente narrativa della realtà e diventare un potente mezzo di espressione del singolo e di critica della società, evitando di relegare l'arte in gruppi minoritari o elitari di costringere gli artisti a compromessi con la propria integrità. La prima parte della ricerca esplora i due paradigmi estetici teatrali più recenti, il Postdrammatico di Hans-Thies Lehmann e il Performativo di Erika Fischer-Lichte, i quali, pur essendo indispensabili per comprendere l'evoluzione delle arti sceniche nella seconda parte del XX secolo, risultano limi tati nell'analizzare le tendenze artistiche contemporanee e nel collegarle alla realtà sociale. Adottando una postura adorniana, si sottolinea l'importanza dell'arte in un contesto che pare caratterizzato da gerarchie estetiche istituzionali e obsolete: il teatro contemporaneo si discosta dai canoni tradizionali e abbraccia il Postdrammatico e il Performativo, ma assumenddoli in modo innovativo nell’ottica di una pluralità dei paradigmi, ossia senza adottare una logica normativa basata su gradi di qualità e strutturandosi su quel principio della discontinuità che pare caratterizzare diffusamente le attuali pratiche artistiche. Quindi, riconoscendo che la (post)contemporanità teatrale, il XXI secolo, è pluralista nel senso che non può essere ridotta all’alternativa tra due paradigmi (postdrammatico o performativo), secondo questa ricerca non esiste un'unica definizione "legale" di teatro, quanto una molteplicità di "mondi del teatro" con vari attori coinvolti, tra cui artisti, spettatori abituali, promotori, organizzatori e frequentatori occasionali. L'eterogeneità e la tra - sgressione delle frontiere disciplinari non vengono più intese in modo ingenuamente avanguardistico, ma come parte di un’ampia grammatica di pratiche e di costellazioni sceniche che possono anche essere presenti nelle stessi singole entità teatrali. Commedie e drammi tradizionali si “mescolano” infatti con sperimentazioni audaci all'interno delle stesse stagioni e compagnie: il teatro contemporaneo si rivela caratterizzato dalla trasgressione, ma anche dalla riflessione critica sulla rottura dato che l'adesione a stili riconoscibili non è più un tabù ed è possibile aderire ai generi teatrali senza che essi siano determinanti in modalità esclusiva. Se la "forma" del teatro contemporaneo deve riflettere la complessità e la "crisi" del mondo attuale (anziché aderire a un approccio di ingenua e conciliante “comprensione”), la riflessione estetica deve allora essere anch’essa aperta e pluralistica per comprendere la sfida che l'arte lancia incessantemente alle norme standardizzate, a un immaginario omologante e una democrazia sempre più in crisi di credibilità. L’audacia trasgressiva può continuare a essere un principio regolatore, ma la ricerca, l’esplorazione e il superamento dei confini multidisciplinari e delle norme riguardanti materiali, oggetti e soggetti teatrali non sono più figli di una necessità che gli artisti si (auto)impongono, ma di una scelta scenico-drammaturgica consapevole dal momeno che la “novità” non è da perseguire a ogni costo, ma deve essere elaborata all’interno di un organico progetto poetico. Utilizzata in una "ecologia scenica" plurale, anche la mimesi è tornata a rappresentare un eccezionale strumento critico, dopo essere stato sottoposta a una demolizione teorica per tutto il XX secolo. Rispetto all'assorbimento del dissenso da parte del capitalismo e del consumismo, le pratiche contemporanee devono dunque continuare a sollevare con determinazione e rigore la questione del non-identico. Nell’analisi dei due casi di studio, si vedrà come ciò possa avvenire attraverso una sorprendente coincidenza tra ‘essere autonoma’ (dunque dotata di propri strumenti e proprie modalità di funzionamento) ed ‘essere sociale’ (dunque compromessa con il contesto spazio-temporale di appartenenza) dell’arte teatrale. La seconda parte della ricerca esamina così due esempi di forme plurali, individuando nei lavori di Fondazione Lenz e di Agrupación Señor Serrano le potenzialità di un rinnovamento estetico che abbraccia il dovere dell’arte di sfuggire alla ripetizione dell'identico e di assumere una posizione dissonante per promuovere progresso sociale e libera soggettivazione individuale. Questa ricerca sostiene il proprio sviluppo teorico analizzando numerose produzioni sceniche. Nel caso di Lenz e di Serrano, si nota come entrambe le compagnie teatrali sappiano coniugare creatività estetica e critica sociale, utilizzando approcci interdisciplinari, sperimentando senza cadere nel manierismo e riuscendo a attivare una potente dimensione etico-politica. I loro inteatramenti promuovono azioni comunitarie e nuove forme di rappresentazione artistica e sociale, contribuendo a una visione inclusiva del mondo: in Fondazione Lenz e Agrupación Señor Serrano, il teatro sembra dunque esser riuscito a farsi tanto espressione della società in cui è necessariamente radicato, quanto operazione di ridefinizione dei margini operati - vi di ri-costruzione dell’immaginario in cui la nostra percezione cognitiva e la nostra esperienza immediata si muovono quotidianamente. La tesi di fondo di un pluralismo dei paradigmi quale cifra del teatro contemporaneo si sposa dunque con le poetiche di Lenz e di Serrano, i cui allestimenti operano in funzione anti-disciplinare, con chiarezza ideologica e all’interno di proposte sceniche riconoscibili, coerenti e inclusive.